Las z Nasiona minimalizmu ceny:


Original: http://www.kylegann.com/postminimalism.html
Copyright: Kyle Gann

Przez Kyle Gann

Napisany do programu
z 1998 r. Festiwalu minimalizmu
Berliner Gesellschaft für Neue Musik

Będąc poproszony o napisanie o aktualnym stanie minimalizmu jest jak zadanie, jeśli już przestało bić swoją żonę. Nie można odebrać bez zaprzeczenia samemu. Minimalizm jest martwe jak doornail, oczywiście, i minimalizm jest również kwitnie znakomicie, dziękuję.

Jeśli minimalizm oznacza okrojoną i diatonically kolorystyce, wzór-powtarzalny styl, które powstały w latach 60. – i to prawdopodobnie powinno oznaczać to – to jest w stanie zawieszonej animacji. Jeśli chodzi o społeczeństwo, państwo to jest bardzo żywa, ponieważ Steve Reich i Philip Glass, co najmniej, w dalszym ciągu prowadzić bardzo widocznych publicznych kariery. O ile większość profesjonalnych muzyków obawiają się jednak, minimalizm jest konające w najlepszym razie, ponieważ styl jest powszechnie uważany za obraźliwie prosty i praktycznie nie ma młodszych kompozytorów pisało w niej. Szkło, uczciwie, czy nie, stał się paradygmatem kompozytora, który „wyprzedane“, który pisze dumbed-down muzykę do masowej publiczności nie wystarczająco zaawansowany, aby zrozumieć coś lepszego. Reich, bo jego muzyka oferuje więcej możliwości i więcej fornirem z komora-music szczegółach, radziła sobie nieco lepiej, zamieniając się w Grand Old Man danego idiomu martwego ale przyzwoicie historycznych.

I tak mamy wspólną wiedzę na temat minimalizmu: że był to historyczny ślepy zaułek, chwila, w której powierzchowne nowa marka muzyki osiągnąć szybki ale ulotne wzrost społecznej akceptacji.

Co wspólnego mądrość wychodzi z konta, oczywiście, to dziesiątki a nawet setki młodych kompozytorów na których minimalizm działał jako energetyzujący prądem elektrycznym. Deutsche Grammophon nagrywania z Drumming Reich pojawił się w 1973 roku; Glass Einstein on the Beach uderzył w Metropolitan Opera w 1976 roku. W tym momencie całe pokolenie zaczynało swoją edukację muzyczną. Szkoły muzyczne, kompozytorów, ustalone zostały mówi młodzież, że muzyka, były ważne, powinny być złożone, dysonansowe, trudne do zrozumienia. Przez lat 60-tych świat kompozycji muzycznej został szczelnie odcięty, przez własnego wyboru, od reszty społeczeństwa. Atmosfera była jałowa, motywacje były konkurencyjne, a nieliczni mieli niczego poza pogardą dla nie-muzyków zbyt słabym sercu podążać za awangardę.

Potem Terry Riley In C wyszedł, i perkusja, i Music Glass w piątych. W przeciwieństwie do oficjalnej muzyki nowej (czy serialist lub post-Cage konceptualista), te kawałki były łatwe do zrozumienia na pierwszej rozprawie. Ale oni też brzmiał nowy i inny, który Official Music próbował zrobić i często nie powiodło się. Pierwsze wezwanie, minimalizmu, była jej audaciousness, jego in-your-face odmowa szukać konwencjonalną subtelności lub odmiany. Ale co stało się oczywiste, że – po raz pierwszy od 19 (lub nawet +18-te?) Wieku – muzyków i nie-muzyków zarówno korzystają słuchania muzyki najnowszej wokół, cieszył go w najbardziej fizyczną, poczuciem trzewnej. A co stopniowo olśniło młodych kompozytorów był łysy twarzy prawda, że ​​wbrew temu, co ich starsi powiedział im, muzyka nie była jak lekarstwo żołądka: to nie musi smakować okropnie się być dobre dla Ciebie.

Mimo to, młodzi nie konsekwencji objąć minimalizm z otwartymi ramionami i uszy zamknięte. Kto chce pisać w dur D-dur na 50 stron bez przerwy, tak jak w Octet Rzeszy? Kto chce masowo strumieni i strumieni stałych ósmej banknotów, jak w muzyce Glassa w piątych? Kto chce być ograniczone do jednej idei, jedna tekstura, jeden dźwięk koncepcja, w każdej pracy? Nie bardzo wielu kompozytorów. I tak młody słuchałem krytyków, wchłaniając minimalistyczne strategii, ale w międzyczasie planuje nowe własnych.

W ten sposób, po minimalizm urodził. Następnie pojawia się pytanie, był minimalizm naprawdę ślepa uliczka? czy był to po prostu początkowy etap zupełnie nowego języka muzycznego?

Wstępne kształtowanie postminimalism przybył około 1980 roku. W latach 1978-79, William Duckworth (ur. 1943) napisał cykl 24 utworów fortepianowych o nazwie The Preludes krzywa czasu. W przeważającej części, dzielili czyste, minimalizm non-modulowania tonacji, choć doprawione okazjonalny smattering ostrego dysonansu. Dzielili stały ósmej nuty minimalizm Beat, choć tylko kilka kawałków zaangażowanych minimalistyczny powtórzeń. Rosły z minimalistycznym dodatku i procesów subtraktywnymi, często w ruchu, AB, ABC, i tak dalej. Co ważniejsze jednak były one bardziej subtelny i tajemniczy niż minimalistycznej muzyki, oni nie noszą ich struktury na zewnątrz, i nie można całkowicie zrozumieć, co dzieje się właśnie ze słuchania. Duckworth był zapalonym studentem siebie objaw Oliviera Messiaena struktur rytmicznych i Preludia krzywa czasu przeniósł się z bardzo nie-minimalistycznym poczucia tajemnicy.

W 1980 roku, Janice Giteck (ur. 1946) produkowane utwory z oddychaniem z Sky Turning. Głębokie zaniepokojenie z rytuału, że została piśmie amerykańskim Indian wpływami teatr działa wypełniona szorstkich dźwięków. Teraz odwróciła się więcej muzyki balijskim inspiracji, tworzenie contagiously melodyjne diatonicznych tekstur. Już muzyka Daniela Lentz (ur. 1942) był całkiem solidnie minimalistyczny (tendencja zaczął przed wejściem w kontakt z muzyczki szkła lub Rzeszy). Z pęknięcia w Bell (1986), w oparciu o ee Wiersz Cummings, on znacznie rozszerzył swój muzyce punkt odniesienia, cytując patriotyczne melodie i motety renesansowe. Minimalistyczne sztuk tendencję do pozostawania w jednym przycisku i jednej tempie przez dłuższy czas, ale pęknięcia w Bell – choć nadal używane quasi-minimalistycznym arpeggio i piękne akordy – rzucił w każdym miejscu.

Ingram Marshall (ur. 1942), związał się z wczesnej scenie minimalistyczny i zaczął używać opóźnienie taśmy jako minimalistyczny Terry Riley miał. Ale w jego popularnych tropów mgły (1979/82) i stopniowe Requiem (1979-81) Marshall wykorzystał je do tworzenia Filmy, niewyraźne tekstury daleko od pędu dmuchanym minimalizm firmy. Jonathan Kramer (ur. 1942) był 12-tone kompozytor. Stymulowane przez minimalizm, ale nieufny w stosunku do swej prostocie, zaczął – w przenoszenie muzyki przez 13 klarnety (1975-76) – paring w dół swój język do zaledwie pięciu lub sześciu boisk dla całej pracy. Przez Moments In and Out of Time 1981-83), był pisania postminimal muzyki orkiestrowej poważnie ograniczone w tonalności, ale bynajmniej nie repetitiously lub strukturalnie minimalistyczny.

Nazwy Riley, Reich, Glass, a nawet La Monte Young (ponowna instalacja oryginalnego minimalistyczny) są znani z nich. Dla porównania, Duckworth, Giteck, Lentz, a Kramer pozostaje stosunkowo mało znany. Dlaczego?

Być może z prostej przyczyny. Minimalistyczny scena była geograficznych, wyrastające z działalności kilku kompozytorów głównie działających w Nowym Jorku, choć również w San Francisco. Minimalistyczne pionierami tworzą stosunkowo jednolity IF kontrowersyjna) grupy w latach 1964-73 i były dużo napisane na temat jako nowy ruch.

Następnie jednak minimalizm rozprzestrzeniać ze wspólnego korzenia do pojedynczych oddziałów. Duckworth uczy się w Pensylwanii. Giteck mieszkał w Seattle. Lentz przeniesiony z Santa Barbara do Los Angeles. Marszałek mieszkał w San Francisco. Kramer wykładał na Uniwersytecie Columbia. Inne postminimalists, Peter Gena (ur. 1947) uczył się w Chicago, Paul Epstein (ur. 1938) w Filadelfii. Elodie Lauten (ur. 1950) był śpiewakiem punk rock i klawiszowiec w niesfornym sceny Downtown na Manhattanie. Wszystkie te osoby miały inspirację indywidualnie z poczynaniach Younga, Riley, Rzeszy, a Glassa. Większość z nich jednak nie wiedział, aż do lat później, że inni istnieją. Postminimalism nigdy nie była scena. Dopiero pod koniec 1980 nie okaże się – i wielu, wielu krytyków nie widzi go nawet dzisiaj – to jednolity organizm pracy wzrosła z nasion minimalizmu, że minimalizm, w efekcie, dojrzał w rękach Nowa generacja.

Tutaj, krytycy muzyczni upuścił piłkę. Krótko intryguje, ale w końcu rozczarowany brakiem minimalizm w intelektualnego roszczeniem, zaczęli wymawiając minimalizm martwy w 1978 roku. Od tego momentu każdy kompozytor, który napisał muzykę tonalną diatonically ze stałym rytmie zostało odpisane jako Johnny-come-ostatnio minimalistyczny. Krytycy muzyczni nie podejmują starań, aby usłyszeć jak różne Muzyka z Duckworth, Giteck i Lentz, i Marshall byli od szkła i Rzeszą, ani nie każdy z nich nigdy nie odkryć na tyle nowej muzyki uświadomić sobie, że skomplikowane, dobrze zaokrąglone nowy styl wyszedł.

Do niewątpliwych prawdą jest to, że zbiorowy styl wyszły z dzieł kilkudziesięciu kompozytorów pracujących niezależnie. Duckworth, Giteck, Lentz, Kramer, Marshall, Lauten, Gena, Epstein, Peter Garland, Paul Dresher, Mary Jane Leach, Stephen Scott, Mary Ellen Childs, David Borden, Guy Klucevsek, Phil Winsor, Józef Koykkar, Thomas Albert, Sasha Matson , Wes York – wszystkie z tych kompozytorów rozwiniętych osobistych stylów, które mimo rozpoznawalny indywidualne, mogą być nadal generalnie charakteryzują się wspólnymi warunkami. Ogólnie rzecz biorąc, mimo ciekawych różnic, ich muzyka była tonalna, w większości zgodne (a przynajmniej nie w napięciu dysonansowe), a zwykle oparte na stałym pulsie. Muzyka rzadko odbiegał od brzmień typowo muzycznych, choć wielu kompozytorów stosuje syntezatorów. Postminimal kompozytorzy tendencję do pracy w krótszych formach niż minimalistów, 15 minut zamiast 75 lub 120, oraz z częstszym różne tekstury. I preferowanym medium dla większości z nich był mieszany zespół kameralny zapoczątkowane przez Glassa i Reicha, choć bez minimalistycznym zwyczaju zespół unisono.

Innym sposobem charakteryzowania postminimalism tych kompozytorów jest ujemna: był dokładnie antypodyczne przeciwieństwem serializmu. Podobnie jak serialists r. postminimalists szukać spójny język muzyczny, spójną składnię, w którym do komponowania. Ale gdzie serialist składnia był nagły, nieciągły, kątowe, arytmii i nieprzezroczyste, postminimalist składnia właśnie odwrotnie: gładkie, liniowe, melodyjny, delikatnie rytmiczne, zrozumiały. Postminimalist pokolenie, większość z nich urodziła się w 1940 roku, wyrosła studiuje serializmu, a już zinternalizowane wielu jego wartości. Minimalizm zainspirowało ich do poszukiwania bardziej przyjazny dla publiczności muzyki niż serializmu, ale wciąż rozumienia muzyki w terminach dobrze znanych im z 12-tonowym myśli: jako język z zasadami służą do zapewnienia wewnętrznej spoistości.

I tak przez 1990, postminimalists osiągnął repertuar zachwycającej muzyce zupełnie inny od wszystkiego, co się minimalistów uczynił. Poza wymienionymi powyżej, jedne z najlepszych prac są Duckworth w Southern Harmony (1980-81), chóralne cykl opiera się na kształcie, notatek hymnów, jego Imaginary Dances ust 1985/88) na fortepian; Giteck w Om Shanti (1986), sanskryt -język modlitwy za chorych na AIDS sformułowane w balijskim tekstur; Lentz w Apologetica ust 1992-95), jego godziny długi hołd rodzimej ludności; Lauten na wideo opery Śmierć Don Juana (1987); jej Involutions Tronik dla overdubbed syntezator (1993); Gena na McKinley (1983) na podstawie politycznej pieśni ludowych; Pokój Ikat Dresher jest na trio (1988/90); Epstein jest Gertruda Steinish Muzyki Kameralnej: Trzy pieśni z domu (1986); Leacha Echoes Mountain (1987) i inne wrażliwe dzieła na chór kobiet; Scotta Minerwy Web (1985) na pochyloną fortepian; Childs w Carte Blanche (1991); mamut cykl Bordena Kontynuując Story of Kontrapunkt (1976/87); delikatne Wariacje Klucevsek wzrosła Viavy (1989) oparta na melodii z Madagaskaru.

Są to dość przykładów, mam nadzieję, do silnie sugerują, że postminimalism nie jest mały, pojedyncze lub ulotne zjawisko. Z udziałem kompozytorów, pracujących niezależnie od Alaski do Florydy i od Hawajów do Maine, stanowi ono amerykańskiego repertuar krasnoludów minimalizm w ilości i często przewyższa najlepsze minimalistyczne prace w jakości, jak również.

W postminimalist kompozytorzy, jednak – większość z nich urodziła się w 1940 roku – powiedz tylko pół historię następstwie jego minimalizm. Amerykanin pokolenia urodzonego w 1950 przyszedł na wiek, gdy minimalizm był już faktem dokonanym, a ich reakcja była zupełnie inna.

W przeciwieństwie do swoich starszych, tych kompozytorów dorastał na skale, aw szkole byli pierwszym pokoleniem, które napotkać afrykańskich i azjatyckich muzyczki nauczane jako standardowy element programu nauczania. Sukces rocka przekonał ich, że muzyka może być autentyczny i ważny i nadal odwołać się do masowego odbiorcy. Azji i Afryki Muzyka nauczył ich, że muzyka może być rytmicznie złożona i wciąż ekscytujące i followable dla nieskomplikowanych słuchaczy. I tak podczas gdy oni podziwiali minimalizm sposób przekazane z publicznością, nie widzieli konieczność cichych akordów, tekstury ładne i prostota rytmiczna.

I tak pokolenie ’50s zaczął pisać utwory, które miały na tekstury jasności minimalizmu, ale porywający energię rocka i rytmicznej zawiłości muzyczki indyjskich i afrykańskich. Najpierw przyszła próbę bezpiecznika minimalizm z rocka, które rozpoczęło się w 1977 roku Trio Gitarowym przez Rhys Chatham (ur. 1952), głośny kontinuum podtekstami wyciągnąć z jednego boiska na gitarach elektrycznych. Wkrótce potem, Glenn Branca (ur. 1949) zaczął pisać symfonie dla gitar elektrycznych. Obaj kompozytorzy przeniósł się do obszarów rytmicznej złożoności daleko poza sferę minimalizmu. Chatham jest Anioł porusza się zbyt szybko, aby zobaczyć, na 100 gitar (1989), ustawia grup gitarowych walić w różnym jednocześnie rytmiczne cykli; Branca Symfonia nr 10 (1994) wyposażony jest tempo kanonów a la Conlon Nancarrow.

Jeszcze młodsi kompozytorzy trwało rytmiczny zawiłość dalej. Mikel Rouse (ur. 1957) napisał 12-tonowego utwór na kwartet rocka, używając warstw isorhythms z trzech-przeciw-five-przeciw ośmiu, o nazwie Szybki Thrust (1984). Michael Gordon (ur. 1956) przeszkolone swojego zespołu – Michael Gordon Filharmonii – do odegrania rytmy takie jak ósmej przeciw dziewięciu, a buduje się prace jak cztery walki King Five (1988) za pomocą warstwy aż jedenaście tempach naraz. Lois V Vierk (ur. 1951) wykonana minimalistically stopniowych części procesu, takie jak Go Gitary (1981), że crescendoed do pędu rock-podobnego. John Luther Adams (ur. 1953) więcej delikatnie warstwowe różne rytmy na drugim z Feldmanesque ciszy, tak jak w Dream of Białe na białym (1992). Sam (ur. 1955) rozpoczął pożyczanie tempo-shifting technik z Hopi i Pueblo Indian teledysk w Mountain Spirit (1983).

Różnorodność tych prac była chaotyczna. A jednak, rytmiczne struktury i tendencje były tak podobne, od kompozytora do kompozytora, że ​​w końcu napisał artykuł („Beats Śródmieście w latach 1990,“ w Contemporary Music Review), wskazujący na fakt. Częściowo dzięki tym artykułem, podobieństwa odnotowano, a nowy styl nabyte nazwę, że nie da, ale był pierwszym do wykorzystania w wydruku: totalism.

„Total“ w totalist muzyki zakłada między innymi, mające swoje ciastko i zjeść go zbyt: odwoływanie się do świeckich odbiorców, ale także zapewnienie wystarczającej podstawowej złożoność intryg zaawansowanych muzyków. Totalist muzyka, jak postminimalism, skłania się raczej ograniczony w swoich harmoniami, ale w przeciwieństwie postminimalism, nie stosować się do harmonii i uroda. Zamiast polegać na stałym rytmie, często określa kilka różnych tempa wykraczające naraz, na przykład, 678 strumieni (1993) przez Ben Neill (ur. 1957), który używa komputera do generowania rytmu rockowe w tempach z sześciu-przeciw- siedem-osiem przeciw. Muzyka Totalist jest rytmicznie skomplikowane, ale zawsze złożone przed uderzeniem, nigdy z arytmią serializmu. Totalizm jest też bardziej eklektyczny w jego źródeł i bardziej gwałtowne niż w jej przejść postminimalism, z niewielkim bezpośredniej troski o stylistycznej spójności.

Chociaż istnieje wiele strumieni nowej muzyki dziś aktywnym w Ameryce, niektóre z nich (zwłaszcza swobodna improwizacja) wyraźnie antagonistyczne do minimalizmu, totalizm był dominującą siłą w Nowym Jorku muzyki 1990. Rouse rozszerzył swoje struktury na dwie vernacular opartych oper: upadających Kansas (1995) i Dennis Cleveland (1996), drugi żartobliwie zabawne opery w formie talk show. Gordon napisał 50-minutowy opus magnum nazwie Trance (1995), w którym rozbija minimalistically wykuwał w skomplikowanych rytmów zakończą się kulminacyjnym pobranego muzułmanina i śpiewach buddyjskich. Vierk, ekspert w dziedzinie muzyki japońskiej, wniosła azjatyckiej smak totalism w zakrętach skoku jej Timberline (1991). Neill miał sukces zwrotnicy w otaczającym świecie rocka, ze środowisk komputerowych, takich jak jego zielonej maszyny (1994). John Luther Adams połączone Feldmanesque chmury z subtelnej złożoności tempo w przepięknej pracy godzinnego, Chmury Zapominając, Chmury niewiedzy ust 1990-95).

Joshua Fried (ur. 1959) opracował minimalistyczny taśma pętli pojęcia w języku narodowym kierunkach z wykorzystaniem nowych technologii cyfrowej. David First (ur. 1953) opracowali technikę uderzeń postminimalist akustycznych spowodowanych przez stopniowe glissand do takich wielkich dzieł jak The Book Manhattan of the Dead (1995). Los Angeles totalist Art Jarvinen (ur. 1956), w utworach takich jak The kroków od Yu (1990), wdrożyła brzmieniowych dziwactwa takie jak szlifowanie temperówki do ołówków i pojemniki rozpylaczy syczący i zatrzaskiwania pułapek na myszy w pięknej taśmy pętli phasing technik. I wykorzystał amerykańskich Indian technik rytmicznych w mojej elektronicznej, microtonal mini-opera Custer i siedząc Bull (1995-98).

Prace mam cytowane wystawiono ogromny wybór, od delikatnej miniaturyzacji Preludiów Czas Duckworth jego charakterystyki do ogromnej dysonansu symfonii późnych Branca s; z Evanescence płynu od Timberline Vierk do wąskiej intensywności Trance Gordona, od rocka opartego na populizm Rouse Dennis Cleveland do nieziemski brzmieniowych świecie Jarvinen The Chody z Yu. A przecież każdy z tych utworów wykazuje jakieś dziedziczenie z minimalizmu Younga, Riley, Rzeszy, a Glassa.

Często dziedziczenie ma charakter strukturalny, w zakresie korzystania z procesu dodatkowej lub w nakładających się cyklach rytmicznych w fazie. Czasami jest to melodyjny, w preferencji dla liniowych, ciężko krawędziach melodii i skupić się na kilku boisk do długich fragmentów czasie. Czasami jest harmoniczna, w stosowaniu płynnego tonalności oczyszczoną z celowych europejskich stowarzyszeń. Czasami jest to rytmiczny, w tendencji do tworzenia geometrycznych złudzeń od stałych impulsów. Czasami jest to teksturalnych w orkiestracji mieszanych zespołów do tworzenia skondensowany, nie-soloistic dźwięk, często gra w rytmicznym unisono. Mała postminimalist lub totalist muzyka wykazuje wszystkie te cechy, ale większość z nich wykazuje więcej niż jedno.

Słuchając tych gór muzyki, patrząc na te dziesiątkami aktywnych kompozytorów w wieku 40 i 50 lat, w jaki sposób ktoś może powiedzieć – jak wielu – „minimalizm jest martwy“? To prawda, w pewnym sensie. To prawda w tym sensie, że można spojrzeć na gigantycznym dębie i powiedzieć: „To żołądź widziałem 30 lat temu tam nie ma już więcej“. Minimalizm nie jest dużo wokół dłużej. Co mamy zamiast wiele strumieni muzyczki, które miały różne aspekty minimalizmu, jak ich punktów wyjściowych, teledysk, że nigdy nie mógł się bez tego, co zrobił minimaliści pierwszy. Można sobie wyobrazić, że w przyszłości historia muzyki opisze okres rozpoczynający się pod koniec 20 wieku w następujący sposób:. „Nasz język muzyczny powstały w 1960 i 70. W swojej rodzącej, stanu uproszczonym, to było na początku pomylić pełny dmuchane styl sam w sobie, i był określany jako „Minimalizm“ …. “

Sierpień, 1998

Copyright 1998 by Kyle Gann

Zobaczyć dyskografię postminimal i totalist i rzadkiej muzyki minimalistycznej.

Comments are closed.